Patsy Rodenburg nació en 1953, es entrenadora Británica de voz y directora de teatro. Es la directora de la Escuela Guildhaall de Música y Drama en Londres, directora del Voz Michael Howard estudios en Nueva York y ha trabajado con la Royal Shakespeare Company y el Royan National Teatre.
Trabajo como actriz antes de pasar a la enseñanza, es autora de varis libros sobre el tema del entrenamiento de la voz como "Hablando Shakespeare", "El actor habla", "El derecho a la palabra" etc. Ha sido profesora de actores conocidos como Orlando Bloom, Daniel Carig y Ewan McGregor.
Trabajó en la cárcel durante 25 años y desarrolló métodos junto con psiquiatras para tratar de rehabilitar a los asesinos de niños a través de la poesía. Ella entiende la relevancia de Shakespeare en la época contemporánea para comunicarse con, y la liberación, la voz de los marginados y desprotegidos (prostitutas, niños de la India...)
Su método establece un espacio al que ella llama "segundo círculo" un estado donde el cuerpo y la mente están seguros y relajados, por lo que nos permite tener intimidad y conexión donde y cuando queramos.
Hace énfasis en la importancia de la voz humana y como transmitir a la hora de expresar. ejercicios
"La voz humana es una simfonía, aunque solo uno sabe que escuchar"
Arthur Lessac nació el 9 de Septiembre de 1909 y murió en 2011, fue el creador de La Lessac Formación Kinesensic para la voz y el cuerpo. Su texo "El proceso de sensación" sirve para descubrir la sensación vocal en el cuerpo y desarrollar una claridad tonal, articulación y una mejor conexión con el texto y los ritmos del habla.
Estudió canto con una beca en la Eastman School of Music, donde se graduó en 1936. Su debut en escena se produjo con "alfileres y agujas" en 1937. Lessac enseñó a los artistas aficcionados y ayudó a desarrollar sus voces y cuerpos.
A.L. persiguió su interés en la salud y el bienestar con la voz y el movimiento, y ganó el título de Bachelor of Arts en voz Logopedia Clínica por la Universidad de Nueva York en 1941.
Continuó descubriendo los beneficios de su trabajo en 1951 cuando trabajó en el Stella Adler Studio Theatre enseñando voz durante un año. En el Seminario Telógico judio de Ámerica enseñó a los estudiantes como convivir con el texto e inspirar a un público a través de su entrega vocal.
El trabajo de Lessac reiteró la importancia de permitir el placer de sentir la vibración vocal o una guía de la propia energía del cuerpo hacia la expresión óptima y bienestar.
Los sonidos vocales son una simfonía, las consonantes "m" y "n" son los instrumentos de cuerda, "w" y "zh" son instrumentos de madera, la estridente "r" un trombón. "L" un saxofón suave, "ch" un choque de platillos y "p","b" y "t" son la percusión. Hay que entrenar todo el cuerpo y como resultado de esta formación, se mantiene no solo lo eufórico sino también el bienestar, el equilibrio y la longevidad emocional física podría alcanzarse.
Ejercicios
Voz resonante, una voz que resuena en los resonadores de la cara, sentir las vibraciones de la voz a lo largo de los labios, la lengua, la nariz y luego utilizar esa sensación para ayudar a proyectar mejor la voz.
Utilizar masa fina para evitar los golpes bruscos en las cuerdas vocales, se utiliza para personas con graves lesiones en las cuerdas vocales.
Rubin Hartstein más conocido como Roy Hart nació el 30 de octubre de 1926 en Sudáfrica, estudió en la Real Academia de Arte Dramático en Londres. Fue alumno de de Alfred Wolfsohn durante mucho años y continuo promoviendo el trabajo de este tras su muerte. El rango y el virtuosismo de Roy Hart llevaron a compositores como Hans WErner henze y Peter Maxwell Davies a escribir obras musicales únicamente para la voz.
Hart fundó el Roy Hart Theatre en 1986, dió su propio enfoque al teatro, el cual aún se enseña y se practica en el sur de Francia y en algunas partes del mundo.
Tras la fundación del Roy Hart Theatre se inicio un periodo de intensa actividad artística y psicoterapeutica internacional. En 1972 se convirtió en actor de su propia compañía. Murió en Mayo de 1975 en un accidente de coche.
Roy Hart continuó con la idea, de su profesor Wolfhson, de que la liberación de la voz humana está intrínsecamente ligada al desarrollo de la persona, a la liberación de energías y sentimientos bloqueados.
A Wolfsohn muchos hechos en su vida le han llevado a esta idea como los gritos de sus compañeros en la Segunda Guerra Mundial y también a que ejerció como profesor de canto en la década de 1930, gracias a esto llegó a ser cada vez más consciente de que la voz tiene su propia dinámica y alcance; y que esta es poco utilizada para expresar plenamente lo que somos.
Lo que quiere es que cuando un actor intérprete haya asimilado el texto, lo haya digerido, hecho suyo, para no interpretarlo de forma artificial.
Al involucrar todo el cuerpo se explora una voz auténtica y libre de juicios de calidad o belleza.
Ejercicios
Colocar las manos en la pared y empujando un poco comenzar a hacer las ocho octavas, de manera que todo el cuerpo queda implicado.
Nos sentamos en el suelo y dándonos impulso con los brazos vamos diciendo "ahh".
Nos ponemos en posición de alerta y dando un salto decimos "ahh".
Kristin Linklater
"El trabajo vocal significa que tienes que ejercitar tu respiración, tu voz y a ti mismo"
Kristin Linklater nació en Escocia en 1936. Se formó como actriz en la London Academy of Music and Dramatic Art. Más adelante volvería a este centro como profesora asistente de Iris Warren en el departamento de voz. En 1936 se trasladó a Estados Unidos donde, inmediatamente su trabajo fue reconocido por las respuestas orgánicas a las necesidades del actor. Su enfoque se caracteriza en que no desenraiza la voz del actor de la persona. Lo expresa claramente cuando afirma "Escuchamos a la persona, no escuchamos su voz", o en "quiero oírte a ti y no a tu voz" y en el matiz diferenciador al nombrar a la voz como un instrumento musical. Se desmarca de la visión de la voz como objeto. Y que no es un objeto, parece algo obvio pero, sin embargo, esta distorsión está en el núcleo real de corrientes formativas vocales en centros de enseñanza de Arte Dramático y Canto. Krisstin Linklater publicó en 1976 su primer libro "Freeing the natural voice", considerado como texto fundamental en el entrenamiento vocal de actores. En 2006 presenta una revisión enfatizando en el imago y la imagen como motores de respuestas físicas y emocionales para liberar la voz. Pienso en el concepto de "cuerpo memoria" de Grotowski, el cuerpo que canta, el cuerpo que habla. En 1992, publica una aproximación vocal hacia los textos de Shakespeare en Freeing Shakespeare's voice".
Su método consiste en liberar la voz natural. K.L. se basó en los fundamentos de F.M. Alexander, Iris Warren y M. Fendelkraise y estudios de psicología y neurología. Tiene como objetivo un contacto directo con la emoción, de manera que la voz no quede cohibida por nuestro raciocinio. La voz se construye junto con todo nuestro cuerpo, respondiendo así a un pensamiento claro y al deseo de comunicarnos. K.L. denuncia que desde muy pequeños se nos ha obligado a escondernos y a no espresar lo que realmente sentimos, por lo que ella con su método nos propone este tipo de deshinibición, el cual parece que también funciona como terapia para tener un buen equilibrio mental.
Ejercicios
visualiza el diafragma con cada respiración, con un suspiro soltamos todo el aire haciendo "ffff", y ahora deja que el pensamiento dé un sonido neurtro y alcanza el centro de la bóveda del diafragma y la respiración que sale se transforma en vibraciones, nota como el golpe del sonido te toca, "aaa" "aaa".
Comenzamos a decir "ahhh" con la boca abierta (mandíbula relajada) después hacemos un toque suavemente con "mmm" y poco a poco abrir y terminar con "ahh"
Bajamos en redondo con el sonido "mm" hasta llegar a la posición de cuclillas y volvemos a subir manteniendo ese mismo sonido, hasta que al llegar arriba terminamos con el sonido "ahh".
"El sentido básico de un actor de teatro físico comienza y acaba con los pies. Somos parte de la tierra y volvemos a ella cuando morimos." Biografía
Tadashi Suzuki director de teatro y escritor; nació el 21 de Junio de 1939 en Shimizu, Shizuoka.Se formó en el Waseda-shōgekijō (small theatre) en Tokio.De 1982 a 1999 organizó el primer festival internacional de teatro, en el pueblo de Toga, primer evento de este tipo realizado en Japón, en dicho festival participaron celebridades como Robert Wilson (director vanguardista y dramaturgo estadounidense), Tadeusz Kantor (pintor,director de teatro, escritor, escenógrafo, actor y teórico, se basó sobre todo en el dadaísmo, la pintura informal y el surrealismo, sus obras son como cuadros en la que él está presente por si tiene que cambiar algo), Yuri Petróvich Lyubimov (actor, director y fundador de el teatro Tangaka en Moscow) entre otros. También es miembro del comité del teatro olímpico internacional. En 1974 se fue con su compañía de teatro de Toga, de la cual destacaba su uso creativo en cuanto a espacios escénicos, entre ellos montañas y colinas, una característica del método Suzuki, que junto con su estilo de actuación, desarrollaba una mayor concentración. Cambió su nombre por Suzuki Company of Toga (SCOT). No es solo uno de los directores de teatro más importantes del mundo, sino que también es un pensador influyente sobre el teatro. Sus preocupaciones son:
la estructura de un
grupo teatral, crear y y utilizar un espacio teatral.
la globalización de pensamiento, debido a las nuevas tecnologías y la vuelta al origen sin consentimiento
la superación de barreras culturales y nacionales con la esperanza de que la creación de trabajo sea realmente universal.
Las actividades de
Suzuki, a parte de ser un gran director y crear producciones
multilingüísticas y multiculturales, son las de un productor que
une a personas de todo el mundo unidas por el teatro, da un enfoque
agresivo para hacer frente a los problemas de nuestro tiempo. Cree
que las nuevas tecnologías servirán para cerrar teatros, cosa que
en Japón ya está sucediendo.
En 1976 trasladó su compañia de Tokyo al pueblo de Toga por que quería volver al origen, ver que se sentía en la marginación, buscar la manera de hacer teatro sin estar rodeado de tanta tecnología y además buscar la manera trabajar sin tener tantas facilidades, lo cual les llevó a un mayor contacto con la naturaleza y la madre tierra, pretendía salir de lo convencional, de lo que estaba establecido.
Características sobre su técnica
El actor utiliza una "gramática física", en la que tiene como objetivo conectarse con el suelo (la tierra), para poder aprovechar la energía animal.
El actor emplea una fuerza que irradia desde la zona de la pelvis, haciendo que tenga una gran presencia escénica.
El actor está totalmente concentrado en todo en todo su cuerpo y en el uso de su respiración, incluso en un estado de quietud.
El actor controla la voz desde el diafragma y está totalmente cargada de energía.
Los actores trabajan como un conjunto, un coro que realiza la misma acción.
El actor tiene como objetivo establecer la conexión entre su cuerpo y el espacio escénico.
Los actores trabajan con obras clásicas para construir y encontrar un sentido universal.
El trabajo desarrolla la potencia expresiva necesaria para transmitir el punto de vista del actor.
Los actores tratan de hacer del teatro una experiencia social más satisfactoria.
Los actores tienen afinidad con la naturaleza, de manera que a veces representan al aire libre.
Los actores deben de sentir en todo momento el contacto con la tierra.
Puntos concretos sobre su técnica
El actor ha de notar que toda la planta del pie está en contacto la superficie del suelo.
El centro ha de estar localizado en la pelvis.
Se ha de sentir que la parte superior (tronco) tira hacia arriba, mientras que la zona inferior (pelvis) va hacia abajo, oposición de dos fuerzas, para una buena colocación corporal.
La voz ha de salir desde el diafragma, de manera que no se daña ninguna parte del aparato fonador.
La concentración.
Trabaja la construcción del actor desde la consciencia de su cuerpo.
Busca las diferencias existentes en la percepción física de cada persona.
Trata de restablecer la integridad del cuerpo humano en el contexto teatral.
Hacer uso de la palabra en todo el cuerpo.
Usa ejercicios inspirados en el teatro clásico griego y en las artes marciales.
Este
entrenamiento sirve para poder hablar con una gran fuerza y con una
articulación clara, implicando todo el cuerpo, lo cual hace que se
gane presencia en el escenario.
Bases de su trabajo
El principal objetivo de su método es traer a la superficialidad física la sensibilidad perceptiva, de manera que puedan aumentar su capacidad expresiva.
Su método consiste en la formación para poder hablar claramente movilizando correctamente las articulaciones, y para hacer uso de la palabra en todo el cuerpo, incluso cuando se está en silencio. Esto hace que los actores aprendan como existir en el escenario, y además nutran su concentración.
A esta formación es llamada la "gramática" necesaria para materializar el teatro que está en nuestra mente. Esta gramática ha de ser asimilada por el cuerpo como un segundo instinto. Tadashi Suzuki está en contra de la energía no-animal, por lo que la base de su trabajo se basa en el origen de todo, de modo que volvamos a sentir, ver, oír, olfatear, y degustar por nosotros mismos, al margen de las energías no-animales. Frase de Tdashi Suzuki : "tenemos que reunir las funciones físicas que fueron “desmembradas”, para recuperar la capacidad perceptiva y expresiva y las facultades del cuerpo humano. De este modo, podemos mantener la cultura dentro de la civilización."
Ejercicios
¿Qué se puede esperar? Un entrenamiento que a veces puede parecer más una clase de artes marciales que una clase de interpretación. Como ya he dicho anteriormente la formación se centra en el desarrollo del centro del actor con una serie de ejercicios que consisten en andar y pisar fuertemente el suelo. También trabaja ejercicios vocales y la concentración a través de la quietud.
La vivencia del eje se basa en la oposición de dos partes del cuerpo, la superior que va hacia arriba y la inferior que tira hacia abajo, esto permite que la faringe y el cuello queden liberados.
Movilización desde el centro: bajamos nuestro centro por debajo del ombligo, con las rodillas flexionadas para acompañar el movimiento que se inicia desde la cadera.
Estatuas: con las estatuas se trabaja el equilibrio y el esfuerzo muscular. Se puede trabajar de pie, acostado o semiacostado. Así se trabaja el desbloqueamiento, y podemos trabajar con una voz libre.
Stillnes: es el momento en el que el cuerpo está en estado de alerta, la energía está contenida. para poder trabajar la voz en este estado debemos buscar un anclaje bajo , ya que la laringe debido a la resistencia de movimiento sufre un desenso.
Concentración: se trabaja manteniendo un ritmo y siempre con la mirada fuera de nosotros mismos, aunque siempre percibiendo nuestro cuerpo.
Ejercicios a realizar
Comenzamos andando lentamente tratando de apoyar el pie completamente en el suelo, empezando desde el talón hasta la punta sintiéndolo en todo momento.
Stomping: con la oposición de las dos fuerzas mencionadas antes, superior e inferior, y con la flexión de rodillas comenzamos a andar intentando golpear el suelo con toda la planta del pie a la vez.
Ejercicio del péndulo: es otro ejercicio de estomping por lo que la estructura corporal es la misma, solo que en vez de golpear el suelo mientras andamos o mantenemos un ritmo, las piernas hacen un péndulo que va de un lado hacia otro, el pie también ha de apoyarse completamente en el suelo y al mismo tiempo.
Otro ejercicio de Stomping: consiste en andar de lado golpeando el suelo.
Estatuas: marchando como en el primer ejercicio de Stomping, hacemos una pausa manteniendo el equilibrio con una sola pierna y comenzamos con la nota "Do", esto se va sucediendo hasta alcanzar la octava, de manera que cuanto más aguda es la nota, más vamos tirando hacia abajo desde el eje y hacia arriba, para evitar el bloqueo laríngeo.
Producimos un sonido continuo con el fónema "b" de manera que sintamos la vibración en los labios hasta que la sintamos en la cabeza. Seguidamente producir sonidos nasales con las manos en el rostro.
Desde la posición neutra, pero siempre manteniendo el eje y con la oposición de fuerzas, levantamos la pierna derecha doblada manteniendo el equilibrio, y decimos "ah", volvemos a la posición neutra, adelantamos el mismo pie que hemos subido y tras esto nos ponemos de puntillas, manteniendo el equilibrio con el brazo extendido hacia arriba y emitimos el fónema "b".
Comenzamos en posición neutra, deslizamos un pie hacia delante, una vez terminado este movimiento estiramos el brazo hacia delante, de manera que forme un ángulo recto con nuestro cuerpo,una vez terminado este movimiento decimos "ah", el dedo del brazo extendido ha de marcar la dirección del sonido.
Ejercicio de posiciones: desde la posición neutra, pasamos a mantener el peso en una pierna, pero con los dos pies apoyados completamente en el suelo, deslizamos por el suelo la pierna en la que no tenemos el peso de nuestro cuerpo hasta volver a la posición neutra. Tras esto nos ponemos en posición de grand plié en primera manteniendo el equilibrio, y volvemos a posición neutra. Con cada posición debemos mantener el sonido "ah" hasta que se nos acabe el aire, entonces cambiamos de posición. La única posición en la que no se emite ningún sonido es en la neutra.
Shakuhachi: desde el suelo manteniendo la mirada fuera y la concentración en nuestro cuerpo, a un ritmo lento vamos subiendo, hasta quedarnos de pie.
En primer lugar comenzaré hablando sobre la técnica vocal extendida (tratando de explicar a mis compañeros lo que yo he entendido), seguidamente hablaré sobre Theo Bleckman, comentaré algunas cosas sobre su vida y que lo llevó a convertirse en un vocalista tan notable.
Después explicaré mi partitura de la que comenzaré haciendo sonidos que he sacado de Theo Bleckman, ya mencionado anteriormente, y explicando las maniobras de cada sonido emitido, a esta partitura también he añadido una serie de sonidos que serán los que luego enseñe a los compañeros, dando fin así a mi presentación.
Esquema de la presentación y material utilizado:
- Exposición en Power Point: Explicación de la Técnica vocal extendida
Imágenes y explicación de la vida de Theo bleckman
Muestra de videos del mismo
Reparto de partituras en papel
Explicación de maniobras
Realización por mi de la partitura
Realización de la partitura por los compañeros
Materiales: Ordenador, proyector y fotocopias
En cuanto a preguntas no sé que me pueden preguntar, creo que está bastante claro
Comentarios personales, me he visto más agobiada debido a que no llego a algunos sonidos, tengo unos cuantos pero no sé bien como estructurarlos, tengo varias opciones, ya que mi partitura ha cambiado un poco. Ha sido también muy interesante aunque complicado.
texto elegido:
Todo sobre mi madre Si les aburro hagan como que roncan - así: Grrrrr - yo me cosco enseguida y para nada herís mi sensibilidad (eh, de verdad!) Me llaman la Agrado, porque toda mi vida sólo he pretendido hacerle la vida agradable a los demás. Además de agradable, soy muy auténtica. Miren qué cuerpo, todo hecho a medida: rasgado de ojos 80.000; nariz 200, tiradas a la basura porque un año después me la pusieron así de otro palizón.. . Ya sé que me da mucha personalidad, pero si llego a saberlo no me la toco. Tetas, 2, porque no soy ningún monstruo, 70 cada una pero estas las tengo ya superamortizás. Silicona en labios, frente, pómulos, caderas y culo. El litro cuesta unas 100.000, así que echar las cuentas porque yo, ya las he perdio... Limadura de mandíbula 75.000; depilación definitiva en láser, porque la mujer también viene del mono, bueno, tanto o más que el hombre! 60.000 por sesión. Depende de lo barbuda que una sea, lo normal es de 2 a 4 sesiones, pero si eres folclórica, necesitas más claro... bueno, lo que les estaba diciendo, que cuesta mucho ser auténtica, señora, y en estas cosas no hay que ser rácana, porque una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma." Maniobras: -masa fina
-masa fina + laringe alta
-masa fina laringe alta + basculación del tiroides
-masa fina + laringe baja
-laringe baja + basculación del tiroides
-masa gruesa
-masa gruesa + laringe baja
-masa gruesa+ velo posición baja
-utiliza mucho las aspiraciones
-yodeling
-combinación de laringe alta con laringe baja
-retracción + anclaje + laringe baja + masa fina + basculación del tiroides
-retracción + anclaje + laringe alta + masa fina + basculación del tiroides
- masa fina + basculación del tiroides + AES contraído + laringe alta + lengua alta + velo medio
Nació en
Alemania aunque prácticamente se crió en Nueva York.
Es considerado una de las
voces más singulares de su generación, entre la técnica tradicional y las
posibilidades de la manipulación electrónica.
Theo bleckman nunca interpreta canciones en cuyos
textos no cree, necesita tener una sensación de la que pueda expandirse. Trata
de incorporar a su música las cosas que siente y ve en el mudo de hoy en día,
filtrando lo destrectuvo y quitando de su música cualquier pretensión
narcisista. Intenta alcanzar un estado ideal, algo que cree que no llegará.
Cree que las técnicas vocales extendidas son otra
forma de expresar algo en lugar de las técnicas tradicionales. No cree que los
textos deban trabajarse literalmente, cree que hay que jugar con el texto para
poder encontrar cosas. Cree que muchos músicos no dejan que haya espacio en lo
que hacen para que haya una sorpresa real.
Le gusta trabajar en colaboraciones porque se crea
una energía que se manifiesta para conducir y ser conducido.
El arte se hace real cuando te dejas llevar y a la
vez eres tú el que conduce, hay una conexión. Hay sensaciones que solo el
sonido puede alcanzar y a veces una vibración acústica pura resulta lo más
saludable, como si para llegar al otro no hiciese falta decir nada.
Theo Bleckmann utiliza la técnica vocal extendida
para realzar la música y la emoción, no para borrarlas. Trata de usar los
elementos electrónicos para incluir al oyente en el proceso. Para el son muy
importantes las actuaciones en directo debido a esto, porque establece un
círculo energético con el público.
Theo
Bleckmann es por definición un cantante de jazz y un compositor de nuevas
músicas.
Es también un
educador. Es profesor de voz de jazz en la prestigiosa Manhattan School of
Music, y profesor adjunto en The New School, el Queens College y la Universidad
de Nueva York.
A lo largo de su carrera se ha manifestado
especialmente cómodo en dúo. Hizo trabajos para teatro, películas y
televisión..
Actualmente se encuentra trabajando junto a Fumio
Yasuda en otro proyecto para el sello Winter & Winter
sobre canciones tradicionales alemanas.
Para muchos,
es un personaje de culto; otros lo consideran la revelación vocal de la década
y algunos han llegado a denominarlo como” el cantante que cayó a la
tierra”, aunque nadie hasta ahora se haya animado a señalar desde dónde.
Fue influenciado por muchos compositores e
improvisadores estadounidenses como Cage, Ives, Monk, Thelonius y Meredith y
por supuesto por Sheila Jordan con quien tuvo una audiencia al terminar la
secundaria porque necesitaba conocerla, ella es uno de los grandes espíritus del
Jazz afirma.
He elegido a este vocalista por que me parece muy interesante, el año pasado me quedé con las ganas de cogerlo debido a que mis posibilidades y las suyas son muy diferentes, ya que él intenta llegar al espectador haciendo cosas maravillosas; a decir verdad me enamoré de su Douce dame Jolie, mientras investigaba la técnica vocal extendida. Simplemente creo que es maravilloso y que de verdad es capaz de crear esa energía que a él tanto le gusta con su público. También me llama la atención de él que utiliza la electrónioca para acercarse a su público y no para alejarlo.
Este es un video que encontré de su maravillosa laringe :)
En este video lo podemos ver haciendo un dúo con Meredith Monk :D
Video elegido, aunque es una imatación de él de untrabajo de Meredith Monk, creo que es el más adecuado para empezar con él, con el paso de las fases espero llegar a poder imitarlo aunqeu no perfectamente al menos quiero poder realizar algunas de sus maniobras y que estén bien hechas.
Trabajo vocal personal
En el fragmento que he elegido utiliza la masa fina, laringe alta y baja e incluso un poco de basculación del tiroides, no he podido dedicarle mucho tiempo (no te voy a engañar, por que he estado muy liada con los ensayos del musical que se estrena esta semana próxima) pero para las dos frases espero poder dedicarle el tiempo adecuado por que este hombre se lo merece, y es un reto de superación personal, al menos para mi. Mis sonidos son algo diferentes ya que mis cuerdas vocales no cierran del todo y el escape de aire se hace muy evidente a pesar de haber tratado que no se note.
Es el primer minuto y medio de este video
me ha costado mucho trabajo ya que me lo he aprendido de memoria y va muy rápido y se nota que me he liado con los le le lulu. te mando dos gravaciones, al menos de las 10 que he hecho las que creo que están mejor, como no he podido subirlas las mando a tu correo. :)
Técnica
vocal extendida: es el estudio de las diferentes posibilidades de la
voz. Sirve para articular cualquier sonido sin que sea necesariamente
estético. Los sonidos deben estar realizados correctamente, evitando
que dañen la laringe, es decir, evitando la constricción ¿cómo?
con la retracción de los pliegues vocales más conocidos como
cuerdas vocales, un uso correcto de la respiración y la utilización
de los anclajes( la colocación correcta de cuello, espalda y pelvis,
es muy importante mantener una posición de alerta). Normalmente
suele ser atribuido al canto, pero se usa también en los actos
teatrales. Produce una mayor proyección y amplitud articulatoria. Se ha utilizado en su mayor amplitud en el siglo XX.
Técnica
vocal: es la estudiada por cantantes y actores, para su preparación.
Se centra en las diferentes calidades (speech, sob/cry, belting,
opera, twang, falsetto) que nos permiten emitir una gran cantidad de
sonidos, se utiliza para adecuar la respiración, evitar la disfonía,
el sobreesfuerzo del aparato laríngeo y tener una mayor proyección
de la voz. Es la práctica de la técnica vocal extendida.
Las
calidades pueden tener variantes y cada una tiene su propia receta y
sus dificultades.
Speech: Es una calidad de la voz, se reconoce por ser la más cercana al habla, mucho cantantes la utilizan, como por ejemplo Café Quijano, Jarabe de Palo, no suele tener entonación y resulta fácil para todo el mundo.
Sob: es otra de las calidades de la voz, es como la voz de alguien mayor, o yo más bien la asemejo a alguien sabio, es un sonido suave y oscuro ( por el hecho de que se hace con la laringe baja, y es más grave).
Twang:, es la calidad más utilizada en el teatro debido a su gran sonoridad sin apenas esfuerzo, existe tanto el Twang oral como el Twang nasal, la diferencia es la posición del velo. Pero ambos tienen una gran proyección.
Ópera: es la utilizada por los cantantes de Ópera, el sonido es armonioso y grande, a mi me recuerda al Twang en cuanto a proyección y llega a dar unos sonidos muy bonitos.
Belting:
es una combinación de Twang y Speech, para realizarla se necesita la implicación de todo el cuerpo, ya que puede dañar la laringe si no se hace correctamente. Para identificarlo yo lo tengo asociado a un grito con función apelativa o a cuando uno está muy contento y no puede contenerse.
Conclusión
En definitiva, ambas sirven para el estudio de la voz, pero hay que decir que la técnica vocal atiende a la estética, mientras que, la técnica vocal extendida puede permitirse cualquier tipo de sonido, sin necesidad de que quede bonito, hay quienes la convinan con elementos acústicos que no vienen de la voz e incluso elementos electrónicos. Ver intérpretes.
Historia sobre la técnica vocal extendida.
Se comenzó a estudiar más o menos en 1912 con Schoenberg y su Pierrot Lunaire, donde el intérprete en lugar de cantar, lo cual era lo habitual, hizo el fragmento del texto cantado y recitado.
Tras el nacimiento esta técnica a manos de Schoenberg fue tomada por compositores futuristas, dadaístas y surrealistas, cuya idea era salir de lo convencional y lo que estaba establecido, ellos desarrollaron la idea original.
En la segunda mitad del siglo XX muchos de estos compositores (Berio, Stockhausen, Kagel, Ligeti y Cage) habían empezado a trabajar en los primeros estudios electroacústicos en Milán, Colonia y París en la década de 1950. Este nuevo tipo de composición se hizo a todos más conscientes de la idea de ir más allá de la gama de timbres que se consideraban posibles y "correctos" tanto para voces como para instrumentos, y también tenían un pensamiento más libre. El resultado a partir de finales de los años 1950 en adelante, hizo de las ideas exploradas en el estudio electroacústico que se encontrara un camino a las composiciones acústicas y hubiese una mayor amplitud de técnicas donde las voces pudieron comenzar a desarrollarse en serio, presagiado por Schoenberg y primeros pioneros americanos como Charles Ives y Cowell Henry .. Sacado de: http://www.sequenza.me.uk/html/extended_vocal_technique.html Traducido con el traductor de google, adaptado por mi
Intérpretes
Cathy
Berberian Berio
deconstruyó su voz en Thema (Omaggio a Joyce) (1958) y le dedicó
sus obras Sequenza III, Circles (1960) y Recital I (for Cathy)(1972).
Además, Sylvano Bussotti, John Cage, Hans Werner Henze e Ígor
Stravinski escribieron obras para su voz.
Destacó
en la interpretación de música de vanguardia, música folclórica
de Armenia, The Beatles y también sus propias composiciones. Su obra
más conocida es Stripsody (1966), en la que explota su técnica
vocal usando sonidos de historietas. Fue muy destacada su
participación en grabación de la ópera L´incoronazione di Poppea
de Claudio Mobteverdi, dirigida por Nicolaus Harnoncourt.
En
la canción "Your Gold Teeth" de Steely Dan del álbum de
1973 Countdown To Ecstasy dice:
(Hasta
Cathy Berberian sabe que hay una tonalidad que ella no puede
cantar."
Nació
en Lima, Perú, en 1943. Compositora, cantante, coreográfa y
cineasta que trabajó en Estados Unidos, es pionera de lo que
actualmente se denomina "técnica vocal extendida" y
"performance interdisciplinaria". Su formación incluyó
técnica vocal, piano, composición, Dalcroze y técnica Cunningham,
con la cual se familiarizó en el Sarah Lawrence College. Desde que
regresó de dicha institución en 1964 ha creado más de ochenta
obras que combinan la voz, el movimiento y la imagen. En 1978 funda
el Meredith Monk Vocal Ensemble, con el fin de presentar sus
composiciones para grupo vocal.
Yma
Sumac1(3 septiembre 1922 hasta 1 noviembre 2008).
Soprano
peruana de gran éxito internacional en los años cincuenta
especialmente conocida por su inusual registro vocal, que llegó a
abarcar hasta cinco octavas. Además destacó por su belleza y
exotismo, ya que afirmaba ser una princesa inca descendiente del
emperador Atahualpa. Es la única peruana que tiene su nombre
inscrito en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Demetrio Stratos
Éstudió etnomusicología, extensiones vocales, canto música asiática, musicología comparada, el problema de vocalidad étnico, el psicoanálisis, la relación entre la lengua hablada y la psique, los límites de la lengua hablada. Él fue capaz de llegar a 7.000 Hz, y para realizar diplophony, triplophony, y también quadrophony. Daniel Charles le ha descrito como la persona que diezmó monodia por la desmultiplicación del espectro acústico. Sus habilidades vocales fueron explorados y documentados. Joan La Barbara
Como compositor / intérprete / soundartist explora la voz humana como un instrumento multifacético ampliar las fronteras tradicionales, la creación de obras para voces múltiples, grupos de cámara, teatro musical, orquesta y tecnología interactiva; el desarrollo de un vocabulario único experimental y extendido de técnicas vocales: multifónicas, canto circular ulular y hace clic en glotales que se han convertido sus "sonidos de firma". http://www.joanlabarbara.com/bio.html Theo Bleckman
Un cantante y compositor de música nueva, de gustos eclécticos y regalos prodigiosos. Theo Bleckmann hace que la música sea accesible y sofisticada, sin sentimentalismo emocional, y lúdica. Su obra conecta inmediatamente con el corazón. http://theobleckmann.com/ Maja Ratkje Vocalista y compositora. Interpreta y libera la música para conciertos, grabaciones, películas, instalaciones, teatro, danza y otros espectáculos. Maja es miembro de SPUNK, un grupo de improvisación noruego, y también forma parte de Agrare, un trío compuesto por el rendimiento de ruido Fe dúo electrónico y la sueca Lotta Melin bailarín. Ha colaborado, entre otros, con Jaap Blonk y Jazzkammer. Arne Nordheim Él es considerado como el compositor contemporáneo noruego que ha logrado el mayor reconocimiento más allá de las fronteras de su propio país. Este nombre está muy ligado a la llegada de la modernidad musical en Noruega. En su papel como compositor, crítico musical y defensor de los derechos de los compositores, se aseguró de que las tendencias internacionales se afianzaran durante un período. Golan Levin Parece ser que no es un artista que utiliza la voz de colaboradores para crear espectáculos basados en las tecnologías, creando un mundo abstracto de interacción no verbal, con la manipulación de imágenes y sonidos.
Pamela Z
Licenciada en música, estudió canto clásico, pero más tarde decidió optar por un mundo diferente combinando canto operístico con técnicas experimentales, también con percusión y palabra hablada.
Opinión Personal
Creo que el repetir este trabajo me está sirviendo bastante, ya que he encontrado muchísimos más intérpretes que el año pasado, y todos me parecen interesantes, a la hora de elegir lo voy a tener crudo, he puesto solo algunos, por que ponerlos a todos sería excesivo. He comprendido mejor que es la técnica vocal, tanto la normal como la extendida, supongo que también es por que este año estoy más aplicada, y me tomo más en serio las cosas ya que tengo problemas en la voz.
Patsy Rodenburg nació en 1953, es entrenadora Británica de voz y directora de teatro. Es la directora de la Escuela Guildhaall de Música y Drama en Londres, directora del Voz Michael Howard estudios en Nueva York y ha trabajado con la Royal Shakespeare Company y el Royan National Teatre.
